Obra 1ª La ronda de noche
FICHA
Título: Ronda de noche. “La compañía del capitán Frans Banning Cocq y el teniente
Wilhem van Ruytenburch”.
Autor: Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) Su producción
artística fue muy extensa, se conocen unos cuatrocientos cuadros, casi
trescientos grabados y una buena cantidad de dibujos. Este artista es
normalmente recordado por su claroscuro y sus retratos, los cuales conforman
una décima parte del total de su producción. Es por esta razón que se le ha
llamado uno de los “grandes profetas de la civilización”, gracias a su interés
por retratar la naturaleza humana. Pero nos centraremos en el que quizás es el
más célebre de toda su producción, La Ronda de noche.
Fecha: 1642 cuando el pintor tenía unos 34 años
Localización: Rijksmuseum, Amsterdam
Estilo: Barroco holandés. Se trata de un retrato corporativo, típico de la
tradición pictórica holandesa.
Forma: Se trata de pintura mueble, realizada en óleo sobre lienzo, que
posteriormente fue barnizada para que estuviera protegida.
Medidas: 3,59 x 4,38 metros (originalmente mayor)
Método: Obra realizada al óleo mediante pincel
La ronda de noche o La ronda nocturna es el nombre por el que se conoce
comúnmente una de las más famosas obras maestras del pintor Rembrandt,
pintada entre 1640 y 1642 el lienzo mide 3,79 metros de largo por 4,54 de alto y pesa 170 kilos. Este cuadro es una de la joyas de la exposición permanente Rijksmuseum de Ámsterdam,
pinacoteca especializada en arte neerlandés
Sobre el título
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| El capitán Frans Banninck y el teniente Willem van Ruytenburgh |
Aunque
el título del lienzo como La ronda de noche está
históricamente consolidado y admitido, su nombre original fue La
compañía militar del capitán Frans Banninck Cocq y el teniente Willem van
Ruytenburgh . Éste, que quizá fuese su verdadero título, fue
descubierto gracias a la inscripción hallada en un boceto preparatorio. La
escena se desarrolla al aire libre, pero no de noche como reza el título sino
que se oscureció con el paso del tiempo y por eso tiene en la actualidad ese
aspecto nocturno; de hecho, hasta el siglo XIX no se la conoció como La Ronda
de Noche, sino como La Milicia del capitán Frans Cocq.. El cuadro fue llamado
en el siglo XIX Patrouille
de Nuit por la crítica francesa, de ahí el nombre por el que se le conoce
popularmente. La razón de este título
surge de una equivocada interpretación crítica del cuadro, debida a que, en esa
época, el cuadro estaba tan deteriorado y oscurecido por la oxidación del barniz y
la suciedad acumulada, que sus figuras eran casi indistinguibles, y parecía una
escena nocturna. Este hecho, sumado a que en esa época ya no había rondas de
día pero aún se mantenían las nocturnas, explica el título asignado.
Al
estallar la II Guerra Mundial, en 1940, el cuadro fue escondido para evitar que
los nazis lo robaran. En 1942 fue enviado a Maastricht, al sur del país, a 35
metros bajo tierra. En 1945 regresó a Ámsterdam tras la liberación. Después de
su restauración en 1947,
se eliminó este barniz oscurecido, y se descubrió que el título no se ajustaba
a la realidad, ya que la acción no se desarrolla de noche sino de día, en el
interior de un portalón en penumbra al que llegaba un potente rayo de luz que
iluminaba intensamente a los personajes que intervienen en la composición.
La
compañía de arcabuceros representada era una milicia de carácter civil cuyo
trabajo consistía en defender la ciudad de cualquier ataque, y mantener la ley
y el orden en las calles. Pero para la época del cuadro, este trabajo era
mayormente ceremonial, se vestían y desfilaban en sus atuendos de milicia sólo
en días festivos, y solían reunirse para celebrar banquetes. Existía una tradición por parte de estas
compañías de milicianos, de encargar retratos de grupo para colgar en las
paredes de sus lugares de reunión (en este caso el Cuartel de la Guardia Cívica
de Ámsterdam). En este tipo de cuadros se representaba a los milicianos
alineados, ordenados y claramente representados. Como cada uno de los
representados pagaba su retrato de manera individual, el artista debía
integrarlos a todos de manera visible, por lo cual el resultado era muy formal,
estático y poco natural. Pero Rembrant rompe con este estereotipo de cuadro a
la carta y realiza una composición que se aleja totalmente de la tradición. Lo
hace como si fuera un gran cuadro histórico, representa un “hecho” y lo carga
de drama y trascendencia, introduce más integrantes de los “paganos” para dar
sensación de multitud, le da vida a esa multitud convirtiendo a los
“personajes” en “actores del hecho representado”, dota al cuadro de unas
dimensiones bastante más mayores que lo habitual, en una palabra Rembrant
sorprende con la utilización de estos elementos que dinamizan el cuadro y que
confieren una nueva dimensión.al retrato colectivo de tanta tradición en la
sociedad calvinista del siglo XVII
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Esta es la Compañía del capitán Reyner Reael
de FransHals. Observad las diferencias simetría
orden,estatismo, retratos, claridad, etc..Esta era la
estructura convencional de los retratos de grupo
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Varias son las obras de este tipo que se conservan, pero
ninguna supera a esta obra por el realismo con el que está pintada, captando a
la perfección los rostros de los milicianos diseminados en esa vorágine de
luces y sombras, de gestos, movimientos y actitudes de vida que convierten a los
personajes en piezas de un puzzle artístico
organizado en torno a un núcleo central, en este caso, las figuras del
capitán y el teniente de la compañía.
A pesar de ser una obra maestra, cuando fue
presentada en Amsterdam tuvo una fría acogida por parte de la crítica; La ronda
de noche no agradó a los contemporáneos de Rembrandt, porque hería las
convenciones de su gusto. Si a esto
añadimos la muerte de su esposa, Saskia, comprenderemos por qué el año 1642 no
fue nada bueno para el pintor, que iniciaba entonces un periodo de cierta
decadencia, llegando incluso a la
bancarrota. Incluso tuvo que
vender la tumba de su ex esposa Saskia, para poder pagar
el entierro de su segunda esposa y tercera
pareja Hendrickje Stoffels Pero su obra le ha sobrevivido a él y a
sus detractores, y le sitúa, por encima de las contingencias y miserias de su
época, en un puesto de honor en la historia universal de la pintura.
Representación
La obra fue encargada
por la Corporación de Arcabuceros de Ámsterdam para decorar el 'Gran
Salón', del Cuarte sede de la milicia. Debido a esto, Rembrandt usó
monumentales dimensiones para el lienzo.
Rembrandt ha
representado a la guardia cívica en un portalón a la salida de un palacio con
columnas, al pie de una escalinata, y en el momento que precede a la formación
y puesta en marcha del grupo, cuando sus componentes llevan a cabo los últimos
preparativos de armas y pertrechos y se disponen a atender las órdenes del jefe. En ella aparece la milicia del capitán Frans Banninck Cocq en el momento en
el que éste da la orden de marchar al alférez Willem van Ruytenburch. Detrás de
ellos aparecen los 18 integrantes de la Compañía, que protegía el bienestar y la libertad de los ciudadanos holandeses, ponían
orden en las calles, cerrando puertas y velando por la tranquilidad ciudadana, por
lo que era muy apreciada.
Muchos de los hombres
que aparecen en la Ronda de Noche eran prósperos mercaderes que pagaron una
media de cien florines al pintor por el privilegio de
mostrar sus cabezas entre las tropas integrantes de la Milicia; una suma más
que considerable para la época. Es probable que Frans Banning Cocq y Wilhem van Ruytenbuch
pagaran más por el lugar privilegiado que ocupan en el cuadro. En total,
Rembrandt cobró 1600 florines por este cuadro, cifra importante si tenemos en
cuenta que en esa época el salario promedio de un trabajador calificado rondaba
los 500 florines al año.
Al transformar,
Rembrant, el retrato en “acontecimiento” y a los personajes en “actores”, no
todos quedaron satisfechos. Rembrandt no había respetado jerarquías y no había
dado a todos los milicianos el mismo grado de ostentación, ya que priorizó las
razones plásticas.
Y al ser la compañía
de arcabuceros una institución municipal, La ronda de noche, sigue
siendo propiedad del Ayuntamiento de Ámsterdam, que actualmente cede al
Rijksmuseum en préstamo de uso sin contraprestación económica.
Los personajes
aparecen captados por el pintor holandés tal y como los pudo contemplar en
numerosas ocasiones en el momento en que a diario la compañía se preparaba para
formar y salir a continuación ordenadamente para recorrer la ciudad en su
misión de vigilantes del orden llevando banderas, mosquetes, alabardas,
tambores. Vemos también otros personajes: tres niños corriendo y un perro que
ladra, añadidos por el pintor para animar la escena.. El encargo, que debía ser
concluido para el banquete de inauguración de la sede de la compañía, fue,
junto a otros 3 retratos corporativos, parte de la
conmemoración de la llegada en 1638 a Ámsterdam de la reina madre María de Médicis viuda de Enrique IV de Francia, exiliada por orden
de su hijo Luis XIII y del intrigante cardenal Richelieu. Esta visita regia a la
capital holandesa fue celebrada por sus autoridades con gran pompa y boato.
Personajes principales
Se han
identificado a la casi totalidad de los 28 personajes que aparecen en el cuadro
(30 antes de un desafortunado recorte,
además de tres niños y un perro). Entre todos destacan:
Capitán
Frans Banninck Cocq o Banning Coq (1605–1655): capitán de la
compañía y figura central que vertebra los ejes del cuadro. Frans Banning Cocq
en el momento en el que éste da una orden a su alférez, indicado por el gesto
de la mano y la boca abierta. Con la mano indica la orden a su teniente y la
alarga al espectador, incluyéndolo en la escena. Pese a evitar un orden
jerárquico en la distribución de los miembros de la milicia, Rembrandt le
otorga la posición predominante que su cargo le reserva.
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| Retrato de Saskia van Uylenburgh |
La
niña: es un personaje clave en el cuadro, por ser el único femenino y servir de
foco de luz. La niña no se encuentra en penumbra y las sombras no la tocan.
Parece un espectro que poco tiene que ver con el resto de los personajes. Por
esta inusualcualidad, muchos críticos ven en la niña un retrato de Saskia van Uylenburgh (1612-1642), primera esposa del pintor, que murió prematuramente en el año en que fue pintado el lienzo, posiblemente de tuberculosis. Saskia era habitual modelo de muchos de los retratos del autor. Viste un traje amarillo limón y en la cintura le cuelga un gallo blanco con pinceladas azules —relacionado con las garras, símbolo de la compañía de arcabuceros, su emblema—, que Rembrandt representó de esta singular manera, en sustitución del habitual blasón de este tipo de retratos colectivos.. También podría, según otros entendidos ser una niña, por su tamaño y los ropajes. Pero por el lugar donde se encuentra, podría tratarse de una de las “vivanderas” adultas que acompañaban al ejército para hacerles compañía (esta forma de representar puede que sea por la costumbre medieval de retratar a los personajes secundarios más pequeños que los protagonistas). También han observado que lleva un saquito, como el que llevan los soldados para la pólvora; los colores del traje, también guardan relación con los colores del escudo de esta milicia. Asimismo cabe otra posibilidad, y es que fuese una portaestandarte, por lo que si sería una niña, ya que los niños si eran utilizados para ello en los desfiles de las milicias.
Personajes
secundarios
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| Jan Pietersen Bronchorst |
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| Jan Visscher Cornilissen |
En definitiva es un verdadero
simbolismo hecho pintura, y un eterno icono histórico reflejo de una época
concreta. Al representar a esa Holanda republicana, burguesa, comercial y
mercantil. Como lo demuestran los hombres representados prueba de que sólo los
ciudadanos acomodados podían formar parte de la milicia, al poder pagarse sus
propias armas. Y esos ciudadanos acomodados eran los comerciantes, los
burgueses centrados en los negocios.
Estructura
El
centro de la composición lo forman el capitán y el teniente, Rembrandt creó la ilusión de que el
capitán y el teniente están saliendo del marco, ambos tienen la parte posterior
del pie levantada, y la mano de Banning Cocq así como la lanza de van
Ruytenburch, se proyectan hacia delante.
El
resto de personajes está organizado en grupos triangulares, donde predomina un movimiento curvo. Unas figuras son muy
visibles, pero otras desaparecen en la penumbra y sólo vemos sus cabezas. Los
personajes están colocados en cuatro planos de profundidad; existen multitud de
líneas, con predominio de las diagonales y el zig- zag para dar dinamismo. La
composición aparentemente desordenada está en realidad construida de un modo
racional según los dos ejes medios del rectángulo que conforma el lienzo:
Eje horizontal: Determina
el telón de personajes que sirve de apoyo a las dos figuras principales, en
primer plano. Los cuatros personajes con trajes de colorido característico
dominan el grupo central, dirigiendo la mirada del espectador hacia ellos
mismos.
Eje vertical:
Determina la posición del capitán con su traje negro, que se ve apoyado por la
figura aneja del teniente, éste de amarillo claro. Esta dos figuras hacen que
la escena quede centrada, girando a su alrededor el resto de componentes.
Las diagonales que forman la larga
lanza y el asta de la bandera se cruzan en el centro luminoso de la escena,
encuadrando los tres grupos de personas con una línea imaginaria, quedando los
dos mandos de la compañía, en la intersección de las dos diagonales, en la posición preponderante de la escena.
La
sensación del espacio aparece en diferentes niveles: el de la penumbra del
portalón, el de la calle radiante de sol y el del observador, se asemeja a
otros juegos compositivos típicamente barrocos como se pueden encontrar
en Las Meninas de Velázquez o en El jardín del amor de Rubens.
Desde
luego la composición es muy compleja, por un lado hay líneas que nos llevan a
fijar la atención en los personajes principales, pero inmediatamente surgen
otras líneas trasversales que desvían esa atención hacia otros puntos del
cuadro produciendo un movimiento continuo de la mirada como si siguiéramos el
movimiento de todos los participantes en el cuadro y quisiéramos entrar a
formar parte de la compañía iniciando con ellos la ronda.
Color y luz
La luz
proviene de la izquierda, según la dirección de las sombras proyectadas, pero a
veces parece emanar del interior de las figuras, como en la niña del centro. Esta luz, a pesar de su
concepción realista, no actúa uniformemente, sino que ilumina y destaca a
ciertos personajes y relega a otros a la sombra, parece irreal. La iluminación
es la gran protagonista de este cuadro, porque crea una atmósfera mágica y
misteriosa de penumbras doradas, sombras envolventes y luces cegadores.
También
hay que destacar cómo resbala la luz sobre los diferentes elementos del cuadro.
Por ejemplo sobre los elementos metálicos, que resbala y ofrecen así mayor
sensación de realismo (el arcabuz), sobre la epidermis de los personajes o
sobre las telas de los vestidos produciendo diferentes texturas: terciopelo,
muselina, brocados de seda, etc. 
El
color ocupa un lugar preponderante en la obra, es muy rico, lleno de contrastes
y matices. Sobre un fondo gris verdoso o pardusco se ven vibrar discretamente,
o afirmarse con decisión, azules claros, verdes oliva, castaños dorados, negros
y rojos. 
Destacan
el brillante amarillo del traje del teniente, con un fajín rojo anaranjado,
frente al negro auténtico que se reserva para el traje del capitán , que tiene
el color totalmente plano y saturado y la rica textura del terciopelo. frente y que se
coloca de forma intencionada en el centro del cuadro Remarcado aún más, todo lo
anterior, por el oscuro colorido de los trajes de los demás personajes, a
excepción del hombre vestido de rojo en la izquierda y del color blanco de
cuellos y puños.
El
color está aplicado con pinceladas anchas, espontáneas y pastosas. El
cromatismo del lienzo se desarrolla en tonos cálidos de las tierras y los ocres
dorados, con las excepciones, antes mencionadas del rojo del echarpe de
capitán, o del soldado del largo arcabuz a su derecha, del blanco ocre de la
chica, detrás, y del uniforme del lugarteniente, así como los cuellos y puños.
Usa tonalidades opuestas para producir un mayor contraste tanto entre los personajes,
como entre las prendas del mismo personaje, el negro riguroso del capitán
resalta el blanco de su golilla o incluso el tono dorado de la penumbra en un
claro contraste con las caras iluminadas. Desde luego el autor está muy
interesado en resaltar los detalles de las figuras situadas en primer plano a
través de esos recursos estilísticos.
Las
figuras que vemos en segundo plano están más difuminadas y dan la impresión de
que existe aire y polvo entre las figuras.
Rembrandt
pinta sin apoyo del dibujo que pierde importancia frente al color. Los
contornos están diluidos. El cuadro está constituido sobre todo por la luz y el
color.
Ubicación
El
emplazamiento original, como ya hemos dicho, para el que fue pensado el lienzo
fue el Gran Salón, del Kloveniersdoelen, sede municipal de la
Compañía de Arcabuceros de la capital holandesa. Este edificio fue destruido y
reemplazado a mitad del siglo XIX por el actual hotel Doelen. En 1715, La ronda de noche se trasladó a
la sala del Consejo de Guerra del Ayuntamiento de Ámsterdam. Sus grandes
dimensiones hicieron que fuese mutilado en esta época cuando le fue cortada una
franja en el lateral izquierdo y superior, eliminando a tres de los personajes
de la escena. Esto se conoce porque se han encontrado copias de la obra
original que datan de antes de 1715, y entre las cuales destaca una que se
encuentra en la National Gallery de Londres
Cuando
las tropas napoleónicas ocuparon los Países Bajos y Napoleón entronizó a su hermano Luis como
rey de Holanda en 1806,
el Ayuntamiento se convirtió en Palacio Real (aún mantiene esta función real) y los magistrados municipales
trasladaron el cuadro a la casa de la familia Trip. Inmediatamente, Napoleón
ordenó su vuelta a palacio y se mantuvo allí hasta la caída del Imperio napoleónico.
Tras esto, La ronda de noche volvió a la casa de la
familia Trip ya convertida en el Rijksmuseu, como Galería Nacional de Arte de los Países Bajos.
En 1885,
se finalizaron las obras del actual edificio del
Rijksmuseum y el cuadro se trasladó a su ubicación actual.
Durante la II Guerra Mundial, para salvar el patrimonio artístico durante el conflicto,
los fondos más importantes del Rijksmuseum fueron depositados en
diferentes búnkers denominados Refugios Nacionales construidos en
unas dunas,
estuvo oculta durante cinco años siendo su último emplazamiento un búnker en el
subsuelo de la capital de Limburgo. Fue separada de su marco y
enrollada en un cilindro. . En 1942 los cuadros se volvieron a trasladar a refugios en Steenwiik y Maastricht.
Finalmente La ronda de noche en 1945 volvió a
Ámsterdam, siendo restaurado en el taller del Rijksmuseum.
Curiosidades
Aparte de la mutilación del siglo XVIII, La
ronda de noche ha sido objeto de algunos ataques vandálicos. El14 de septiembre de 1945, un desequilibrado
mental atacó la obra con un cuchillo haciéndole
numerosos cortes en zig-zag. El lienzo fue restaurado con éxito, aunque
aún pueden apreciarse in situ las huellas de este atentado. En 1985, un visitante del
museo roció la pintura con un spray de ácido que
llevaba oculto. La rápida intervención de los guardias de seguridad y el agua
que le fue pulverizada neutralizaron el ácido que afortunadamente no llegó a
tocar el lienzo y sólo dañó el barniz. De nuevo, la obra fue restaurada por
completo.
La comisión de IV centenario del nacimiento
de Rembrandt expuso en la plaza de Rembrant de Ámsterdam junto al busto del pintor, las réplicas
de los personajes del cuadro, esculpidas por Alexander Taratynov y Mijail Drónov. Al
finalizar esta conmemoración las estatuas serán trasladadas para permanecer en
los jardines del castillo de St. Gerlach, cerca de Maastricht.
También en homenaje, en el año de esta
conmemoración, el director de cine británico Peter Greenaway rodó
un película dedicada al cuadro titulada Nightwatching, protagonizada
por Martin Freemen en el papel de Rembrandt
y Emily Holmes como su
segunda esposa, Hendrickje. Se presentó en el Festival Internacional de Cine de Venecia de 2007 y su estreno comercial en los Países Bajos
fue en enero de 2008.
La música también ha mirado al lienzo en
busca de inspiración como el segundo movimiento de la Sinfonía nº 7 de Gustav Mahler
o las canciones Night Watch de King Crimson o TheShooting Company of Captain Frans B. Cocq del grupo Ayreon.
Comentario
Observamos,
en este cuadro, todas las características típicas del Barroco:
composiciones llenas de movimiento y dinamismo, con predominio de líneas
diagonales y curvas; colorido rico y variado, con un color que unifica el
cuadro (el dorado); contrastes de luces y sombras; desvalorización de la línea
y el dibujo; realismo y gusto por el detalle; falta de claridad y confusión (lo
más iluminado es lo que menos percibimos, como la enigmática niña), etc.
La ronda de noche es uno de los cuadros más
representativos de la obra pictórica de Rembrandt, por las novedades
compositivas y técnicas que aporta. Es la aportación del genio holandés a la
pintura barroca. No es el único retrato colectivo que realiza Rembrandt, y
aunque relevantes, el autor prefirió los retratos unipersonales y de pequeñas
dimensiones (entre ellos sus autorretratos). El uso de la disposición aparentemente descuidada y la
distribución de elementos para centrar la atención del lienzo es otro recurso
estilístico utilizado por Rembrant, pero común en otros artistas de la época en
sus cuadros colectivos, como Velázquez o Rubens
El barroco fue una época de alegorías y
emblemas, etc. Muchos de ellos los podemos encontrar en la obra de
Rembrant y de, cuando menos, difícil explicación. Aquí os muestro alguno de
ellos donde el carácter simbólico es innegable, pero la explicación podría ser
múltiple:
*.- Existe alguna razón para que Banning-Cocq,
el capitán, vista un uniforme de negro
satánico y, por contra, Willem van Ruytenburch, su teniente, se vista de
luminoso dorado angelical. ¿Querría significar la lucha del bien y el mal? ¿Y pudo ser ésta la razón que llevó a esos
visitantes (posiblemente desequilibrados)
a cometer actos vandálicos contra el cuadro.
*.-
Hay una sombra muy significativa de la mano de Banning Cocq sobre el
bajo vientre de Willem. ¿qué quiso expresar el pintor? Fijaos que la luz
no viene de tan arriba para provocar esa sombra de la mano que parece señalar. El
hecho de que el pulgar y el índice de la sombra de Banninck Cocq apunten hacia
el león con el escudo de armas de Ámsterdam, cosido en la casaca amarilla de
Ruytenburch, ¿quiere decir algo?. Puede ser un nimio detalle con el que
Banninck Cocq señala que Ámsterdam se encuentra segura gracias a su protección.
*.- El guante sostenido por Banninck Cocq,
parece que con negligencia y disgusto. Algunos ven en esto un símbolo de
desafío, el capitán muestra su guante y está dispuesto a desafiar al enemigo
inmediatamente. En definitiva un símbolo de que él y su compañía se toman muy
en serio la protección de la ciudad. Pero bien observado el guante, ¡fijaos! Es
el de la mano derecha que ya la tiene enguantada sosteniendo una vara de mando,
mientras que es la mano izquierda la que no tiene el guante. ¿error?, ¿es
voluntario? ,¿en tal caso, de quién es?
¿y qué está haciendo aquí? ¿Qué es lo que ocurre? Auskalo!
*.- En el fondo del grupo central se ve atrás
del todo la cabeza de un hombre, mirando por encima de los hombros del resto con
un solo ojo, el derecho. ¿Se trata de un autorretrato de Rembrandt? Después de
muchos estudios, sobre todo de sus autorretratos, se ha llegado a la conclusión
de que Rembrant tenía un ojo perezoso, el izquierdo, aquejado de astigmatismo, su
ojo siniestro, pero el que vemos es su ojo derecho, derecho por izquierdo, pues
Rembrandt tenía que pintar su autorretrato valiéndose de un espejo.
*.- ¿No resulta peculiar que haya una
diferencia de estatura tan notoria entre ambos sujetos? Willem van Ruytenburch
apenas alcanza la garganta de Banning-Cocq. Ciertamente, el simple decoro
hubiera podido igualar la altura de ambos hombres o minimnizarla. De esta forma.
Willem parece degradado al ser representado tan bajo.
*.- En el lienzo hay exactamente 13 picas; el
trece era número de mala suerte a mediados del siglo XVII. ¿Accidental?
*.- ¿Hacia dónde dispara el mosquetero que
dispara el mosquete, en el centro de la composición?, lleva una armadura
completa y el rostro permanece oculto; obviamente puede tratarse de alguien
joven (su estatura) y está disparando en medio del tumulto con gran riesgo para
todos; no mantiene el cuerpo en equilibrio y en el casco lleva una ramita con
hojas de roble, demasiados misterios como para sugerir un ejercicio arbitrario de
representación.
*.- En el centro, entre el capitán y el
teniente, de la composición hay un hombre que hace un gesto ambiguo con la mano
a la vez que parece mirar al capitán: ¿está evitando el disparo, desviándolo o
contribuyendo al mismo, es decir, propiciándolo?
*.- Todos o casi todos los personajes del
lienzo tiene la cabeza cubierta con sombrero: los mosqueteros con penacho de
plumas, otros con sombreros altos tipo capotain, otros chambergo, etc.. Quiere
Rembrant con ello representar que la defensa de la ciudad es competencia de
todos los ciudadanos sin distinción de clase.
*.- Y la rareza mayor de todas y que todos
vemos, nada más contemplar el cuadro: la chica engalanada con el brillante
vestido. ¿Es realmente una chica? ¿es un espectro? ¿es una enana? ¿es una
prostituta? ¿es una noble que huye tras la proclamación de la república de las
provincias unidas?¿puede ser una alegoría de la España que comienza su
decadencia hegemónica en la zona y que culminará con la paz de Westfalia?. Como
veis la interpretaciones son para todos los gustos.
El tema general, que
utiliza Rembrant, no era, en principio, innovador y sí acorde con los gustos
tradicionales de la pintura holandesa. Pero, paradójicamente, a través de la trasgresión de las normas
institucionalizadas y convencionales del retrato en grupo, realiza una
auténtica revolución, tanto por la disposición novedosa y atrevida de los
retratados como por el dominio técnico del pincel, y convierte un
acontecimiento normal de la vida holandesa en un hecho grandioso pasando el
cuadro de ser un retrato grupal a un lienzo histórico y grandioso en la línea
de otros como “La rendición de Breda” “La libertad conduciendo al pueblo” o
·”La carga de los mamelucos” y continuando la gran tradición pictórica europea,
católica y mediterránea, con la que precisamente habían roto los pintores
holandeses de la época.
El pintor en esta
obra demuestra que es espíritu libre dentro del panorama pictórico flamenco del
siglo XVII. Al mismo tiempo muestra algunos rasgos precursores modernistas (no
en vano se le ha llamado el pintor de la luz dorada) y dejó una notable huella
en pintores posteriores que han dado primacía al color sobre el dibujo en
el siglo XIX como Delacroix o el mismo
Goya o en el movimiento impresionista de las vanguardias modernistas.
Georg Simmel, filósofo y sociólogo
alemán escribió de él que fue "Capaz de
representar no lo que existe, sino la existencia" Para él tenía más importancia la veracidad y la
sinceridad que la belleza clásica y de ahí su modernidad.
