Las obras que comentaremos en esta entrada corresponden a las obras aparecidas en la entrada GENERALIDADES (III). Ya sabéis que cuento con vuestros comentarios, que serán la parte más importante del blog, puesto que enriquecerán los míos que, insisto, la mayoría de las veces son simplemente una traslación de la opinión, comentario o crítica de gente mucho más entendida que yo y que aporta sus conocimientos a la red, conocimientos, sin los cuales, no sería posible llevar a cabo este blog.
Obra 1ª.- La última cena de Da Vinci| Autor | Leonardo da Vinci (1452 - 1519) - Italia |
| Fecha | 1495 - 1498 |
| Estilo artístico | Renacimiento italiano (Cinquecento) |
| Encargo | Duque Ludovico Sforza (patrón del pintor) |
| Ubicación | en la pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio de la iglesia dominica de Santa María de las Gracias (Milán) |
| Técnica | mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido |
| Conservación | mal estado. De 1977 a 1997 se ha estado restaurando y ha experimentado algunas mejoras |
| Tema | Religioso. Biblia. Juan 13, 21 |
| Medidas | 460 cm. de alto por 880 cm. de anchoto) |
Muchos expertos e historiadores de arte, consideran a La
última cena como una de las mejores obras pictóricas del mundo.Como ya
hemos dicho es difícil hablar de una obra sin hablar de su autor y en este caso
estamos hablando del humanista renacentista por excelencia Leonardo da Vinci.
El duque de Milán, llamado "el
Moro", encargó a Leonardo la realización de un fresco para el
refectorio de la iglesia dominica de Santa María Della Grazie. Milán. Leonardo
trabajó en esta obra más deprisa y con mayor continuidad que nunca durante unos
tres años. Esta forma de pintar, tan distinta de la rapidez y seguridad
que exige la tradicional pintura al fresco, explican porque el pintor optó por
emplear una técnica distinta al fresco tradicional y utilizó la pintura al
temple y óleo sobre yeso enlucido; al mismo tiempo esto provocó también que se
demorase durante años 3 hasta su acabado. Por ejemplo: Leonardo
observaba cuidadosamente los modelos del natural, que no era algo habitual
entre los pintores de aquella época.
Cuando acabó, la pintura fue alabada
como una obra maestra de diseño y caracterización. Desde ese momento se le
consideró sin discusión no solo uno de los primeros maestros de Italia sino el
primero. El rey de Francia, al entrar en Milán, acarició la idea de
desprender el fresco de la pared para llevárselo a su país. |
| Judas Iscariote, S. Pedro y S. Juan |
La pintura está basada en el Nuevo Testamento Juan 13:21,
en la cual Jesús anuncia que uno de sus 12 discípulos le traicionaría.
Quizá uno de los momentos más dramáticos de los últimos días de la vida de
Jesús de Nazaret.
La afirmación de Jesús «uno de vosotros
me traicionará» causa consternación en los doce y Leonardo intenta
reflejar las reacciones individualizadas de cada uno de los doce apóstoles: unos se asombran, otros se levantan
porque no han oído bien, otros se espantan y, finalmente, Judas retrocede al
sentirse aludido. Si observamos bien el cuadro Jesús está colocado en el centro
de forma que todas las líneas de fuga confluyen en su figura a lo que ayuda
todavía más el que está perfilado contra la ventana y enmarcado por ella parece
que aislándolo de los apóstoles que parecen reunirse por tríos.
La arquitectura del cenáculo es
clásica y representada con exactitud a través de la perspectiva lineal (un punto de fuga
central) de manera que parece que el espacio se va ampliando a medida que se
acerca a nosotros y a ello contribuye también el monumental formato de las
figuras, la representación del pavimento, de la mesa, los tapices laterales,
las tres ventanas del fondo o los casetones del techo.
La estructura del cuadro es piramidal,
muy simétrica considerando la figura de Jesús el centro o eje de simetría. Esta simetría aparece en varios aspectos por ejemplo
en el color la utilización sobre todo de los colores azul y rojo, como colores
básicos del cuadro, aparece equilibrada entre los grupos de la izquierda y de
la derecha con respecto a la propia ropa de Jesús.
Encontramos dos focos de luz en la obra. Uno procede desde el
exterior, a la izquierda del espectador. Su función es iluminar la escena y sus
personajes suavemente, sin crear un claroscuro excesivo ni expresivo. No tiene,
por tanto, otras funciones que las descriptivas, sin intenciones de dar mayor
intensidad a la escena. En el
fondo, tras la tres ventanas
abiertas, proviene otra luz, esta vez exterior y azulada, tal vez para intensificar la idea paradisíaca del paisaje que se dislumbra a través de la ventana. Este recurso de los dos focos de luz tendrá un
amplio eco en autores posteriores, como Tiziano o el propio Velázquez en sus Meninas
 |
| Mateo, S.Judas Tadeo, Simón Celote |
 |
| S. Pedro, Judas Iscariote y S. Juan |
Los 12 Apóstoles están distribuidos en
cuatro grupos de 3 como hemos dicho anteriormente. de izquierda a derecha:
Bartolomé, Santiago el menor y Andrés; después S. Pedro, S. Juan y Judas, en el
centro Jesús de Nazaret a continuación Tomás, Santiago el Mayor y Felipe y para
terminar Mateo, Judas Tadeo y Simón Celote. Algunos estudiosos
han creído ver en los rostros de los apóstoles la representación
de personajes reales: San Judas Tadeo (el propio Leonardo) o Simón Celote
(Platón). O afirman que la figura a la derecha de Jesús (izquierda según se
mira), no es en realidad Juan, sino una figura femenina (María Magdalena). Las anatomías son correctas, menos idealizadas que las que podemos encontrar en otros pintores del
Renacimiento. La belleza de los rostros cede ante el realismo de la expresión, excepción hecha de la figura de Cristo,
perfecta en su quietud y estudio y más bella aún por el contraste con los otros
gestos y caras de sus discípulos y la
de S. Juan con esos rasgos casi femeninos que aportan dulzura a la tensión grupal del momento. La variedad de gestos y actitudes
constituye un verdadero catálogo de reacciones humanas ante la noticia de la traición, desde la placidez de
Cristo hasta la expresión de la ira, la incredulidad, la duda..., representado
mediante el lenguaje de las
manos y los gestos de la cara.
 |
| S. Andrés "Yo no sé nada" |
 |
| S. Felipe "¿Acaso seré yo?" |
Leonardo no se limitó a hacer un cuadro por encargo, sino que experimentó y llevó a cabo la aplicación de conceptos, técnicas y dinánicas que tuvieron una influencia radical y decisiva en el
desarrollo del arte posterior.
Obra 2ª.- La creación de Adán de Miguel Ángel. Capilla Sixtina
Autor: MichelangeloBuonarroti - Miguel Ángel (1475-1564)
Fecha: 1508-1511
Estilo: Renacimiento
Técnica: Fresco
La creación
de Adán es un fresco en
el techo de la
Capilla Sixtina, pintado por Miguel Ángel por encargo del Papa Julio II, alrededor
del año 1511.
Ilustra el episodio bíblico del Génesis en
el cual Dios le da vida a Adán, el primer hombre. Cronológicamente es el cuarto de los paneles que
representan episodios del Génesis en el techo de la capilla, fue de los últimos
en ser completados y es una de las obras de arte más apreciadas y reconocidas en el
mundo. Miguel Ángel tardó
cuatro años en realizar esta magna obra, 14 días o jornadas de pintura para este panel, pero al final sus inmensos esfuerzos
se vieron recompensados ya que despertó la admiración del público desde el
primer día hasta la actualidad.
Esta escena recoge el
momento de la creación del
hombre por la fuerza de la energía de Dios. Más que crearlo dota al hombre de vida a través del
contacto de los dedos. No hay prácticamente paisaje (el cielo etéreo), con lo que las figuras
destacan por su monumentalidad. La obra
consta de dos elementos principales, Adán y Dios.
En la izquierda del cuadro está Adán, representado como un atleta en reposo, está recostado lánguidamente sobre un prado verde. Una
actitud indolente que
contrasta con el energía que parece emanar de Dios. Adán poseedor de una belleza parece confirmar las palabras del Antiguo Testamento, según las cuales el
Hombre
fue creado a imagen y semejanza de Dios. Pensemos que en el Renacimiento el desnudo es valorado como una forma usual de representar la belleza. Pero en ésta, y algunas otras obras, Miguel Ángel dota a
sus desnudos de una musculatura impresionante. La musculatura que, en ocasiones, apreciamos en
sus esculturas la vemos ahora en Adán; es la conocida terribilitá propia del pintor, la energía
interior de sus figuras que se manifiesta al exterior de esta
forma.
Él está recostado, totalmente desnudo, sobre una superficie que al parecer es
la tierra. A la derecha del cuadro, aparece Dios, en una nube, rodeado de ángeles y envuelto en turbulencias que crea su poder irresistible. Él está representado
como un hombre anciano con barba envuelto en una alborotada túnica color púrpura, que comparte con sus querubines, Su brazo
izquierdo está alrededor de una figura femenina interpretada como Eva, quien no
ha sido creada aún y, en sentido figurado, espera que se le de vida y un lugar en la Tierra. El brazo derecho de Dios, por contra, se encuentra estirado, para impartir la chispa de vida de su propio dedo al de Adán, cuyo brazo izquierdo se encuentra en idéntica posición al de Dios. Es famoso el hecho de que ambos dedos están separados por una mínima distancia. Otros elementos pero menos
destacados son los ángeles que rodean a Dios, estos ángeles están desnudos.
Para equilibrar la figura de Dios que emana poder, desde los cielos, aparece en tierra, la figura de
Adán ya modelada, esperando ser insuflada de vida. Adán está totalmente
pegado a la tierra, como surgiendo de ella: su mano se levanta débilmente, sin
fuerza propia, sin objetivo y será el dedo de Dios el encargado de trasmitir la fuerza de la creación a esa criatura creada por Él a su imagen y semejanza.
Dios y Adán aparecen en la misma postura en alusión a la sentencia en el Génesis que anuncia que “Dios creó al hombre a su imagen y semejanza”, sin embargo sus posiciones espaciales son distintas en representación del lugar que cada uno ocupa en la Creación: Dios flota y se ubica ligeramente arriba de Adán, quien está recostado sobre la Tierra.
Algunos consideran que las figuras y sombras representadas tras la figura de
Dios son una acertada representación del cerebro humano y otros
creen que el manto rojo alrededor de Dios tiene la forma del útero humano y que
la bufanda verde que cuelga de él, podría ser un cordón umbilical recién
cortado.
Autor: MichelangeloBuonarroti - Miguel Ángel (1475-1564)
Fecha: 1508-1511
Estilo: Renacimiento
Técnica: Fresco
La creación
de Adán es un fresco en
el techo de la
Capilla Sixtina, pintado por Miguel Ángel por encargo del Papa Julio II, alrededor
del año 1511.
Ilustra el episodio bíblico del Génesis en
el cual Dios le da vida a Adán, el primer hombre. Cronológicamente es el cuarto de los paneles que
representan episodios del Génesis en el techo de la capilla, fue de los últimos
en ser completados y es una de las obras de arte más apreciadas y reconocidas en el
mundo. Miguel Ángel tardó
cuatro años en realizar esta magna obra, 14 días o jornadas de pintura para este panel, pero al final sus inmensos esfuerzos
se vieron recompensados ya que despertó la admiración del público desde el
primer día hasta la actualidad.
Es una pintura al fresco ya que está
representada sobre una fina lámina de yeso en forma rectangular. Esta pintura es figurativa porque
se puede reconocer fácilmente todos los elementos que la componen.
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| Detalle de Adán |
Podemos pensar que Miguel Ángel representa no a un hombre, sino a
una gran escultura, de tamaño mayor que el natural, fuerte, musculoso, bello,
que, de alguna manera es la encarnación de la grandeza de Dios en el género humano, que es la obra del Creador.
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| Detalle: Dios creando a Adán |
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| Detalle:Manos de Dios y Adán |
Dios y Adán aparecen en la misma postura en alusión a la sentencia en el Génesis que anuncia que “Dios creó al hombre a su imagen y semejanza”, sin embargo sus posiciones espaciales son distintas en representación del lugar que cada uno ocupa en la Creación: Dios flota y se ubica ligeramente arriba de Adán, quien está recostado sobre la Tierra.
Las manos de Dios y de
Adán son las manos más expresivas de toda la historia de la pintura, ambos
dedos están separados por una mínima distancia, lo cual constituye un hecho
famoso. La aplicación de tonos claros y oscuros le atribuyen un gran efecto
plástico a la obra, con un diseño perfectamente delineado de los volúmenes.
Las líneas
compositivas son diagonales esto da a la escena un gran dinamismo. La gama de
colores fríos (azules, verdes, violetas) actúa como elemento sedante y
apacible, a pesar de la energía que desprende la acción, ya que el color tamiza la luz provocando que los cuerpos se separen y aduieran volumen. Los múltiples puntos de fuga que se pueden apreciar hace que la perspectiva lograda sea otra de las grandes conquistas de Miguel Ángel, ya que mediante ellos consigue una perfecta
captación tridimensional, a juicio de algunos expertos no alcanzados, hasta ese momento en la historia de la pintura.
Algunos consideran que las figuras y sombras representadas tras la figura de
Dios son una acertada representación del cerebro humano y otros
creen que el manto rojo alrededor de Dios tiene la forma del útero humano y que
la bufanda verde que cuelga de él, podría ser un cordón umbilical recién
cortado.
Obra 3ª.- Los girasoles de Van Gogh
Técnica: Óleo sobre lienzo
Estilo: Postimpresionismo
Tamaño: 93 cm × 72 cm
Localización: Neue Pinakothek , Múnich, . National Gallery, Londres, Museo van Gogh, Ámsterdam,..
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| Jarrón con 12 girasoles |
Los girasoles es
una serie de cuadros al óleo realizados por el
pintor holandés Vincent van Gogh. De
la serie hay tres cuadros similares con catorce girasoles en un jarrón, dos con
doce girasoles, uno con tres y otro con cinco. Las pinturas están todas ejecutadas en lienzos de cerca de
90 x 70 cm.
Van Gogh pintó los primeros cuatro cuadros en agosto
de 1888, cuando vivía en Arlés, en el sur de Francia,
Usó un pigmento en sus girasoles, el amarillo de cromo o cromato de plomo, al
cual deben su misterioso y enigmático color. La descomposición
del cromato de plomo por efecto de la exposición a la luz convirtió el amarillo
brillante original en un tono pardo verdoso.
Su casa en Arlés tenía la fachada pintada de amarillo; eso, junto con el
ardiente sol mediterráneo del
sur de Francia, y la llegada de su amigo Gaugin le inspiraron para elaborar esta serie. Por lo tanto el motivo inicial de la creación de los girasoles era, en cierta forma, meramente
decorativo, Van Gogh quería decorar su casa ante la inminente llegada de su
amigo, y eligió un motivo que aunaba la belleza con la evocación de la
naturaleza, además de que le permitía plasmar su color preferido, el amarillo.
Durante su estancia en París realizó ya varias obras
con esta flor como temática principal. En
estas obras las flores aparecen solas, sin el jarrón que incorporaría más tarde, y aparecen cortadas o marchitas, con unos colores
violentos y de fuertes tonalidades, preludiando sus obras posteriores.
En esta serie de cuadros destaca la fuerza cromática por encima de la mera descripción realista, ya que estas flores evocan la imaginación del artista, la fuerza expresiva de su temperamento artístico. Para Van Gogh el amarillo tenía un especial simbolismo,
era el color que
representaba su mundo interior, es para el artista la vida: calor y luz. El color en la obra de Van Gogh va cobrando una importancia extraordinaria y adquiriendo vida propia dentro del cuadro, pierde esa dependencia tradicional del color frente de la forma y se convierte en un aspecto esencial de las naturalezas representadas y deja de ser un aspecto más de la mera descripción física del objeto representado. Así, el color , se convierte en otro medio de expresión de su vida
interior, de sus sentimientos, lo que le acerca en ese punto a otro movimiento
artístico de la época: el simbolismo.
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| Jarrón con 14 girasoles |
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| Jarrón con 14 girasoles |
En las teorías del color, seguidos por los impresionistas,
se dictaba que para intensificar los colores se debe colocar colores opuestos uno al lado del otro. Por ejemplo, el amarillo
junto al púrpura.
Van Gogh entonces experimentó colocando sus girasoles contra un fondo azul. Sin
embargo, en sus ultimas versiones hizo cambios más drásticos y colocó sus
flores amarillas dentro de un florero amarillo y con un fondo amarillo. Y con
todo y esto el panorama parecía irradiar luz.
Cuando uno mira a estas pinturas, empieza a notar ciertas sensaciones que parecen emanar de un cuadro al otro, sensaciones que van encaminadas a establecer ciertos paralelismos con las etapas de la vida. Los colores son vibrantes y
expresan emociones que van asociadas con la vida de los girasoles: de amarillos
brillantes en las flores a morenos áridos cuando se mustian y oscuros en su muerte; todas las etapas
son presentadas. Los tonos empleados, azules, ocres, amarillos y verdes, son muy del gusto del pintor.
 |
| Cuatro girasoles marchitos |
El sencillo jarrón - sobre el que estampa la firma -
se sitúa sobre un espacio ocre, posiblemente una mesa, delimitado por una
gruesa línea de la pared pintada en tonos verdoso-azulados. El jarrón también
está delimitado por una línea similar. Los girasoles se distribuyen por el
espacio de manera arbitraria, contrastando sus tonalidades con el fondo.
La
pincelada empleada por Van Gogh es muy rápida, aplicando el color con facetas -
véase el jarrón donde se aprecian los toques de pincel - iniciando casi
definitivamente una pincelada en espiral que caracterizará su pintura. Van Gogh utilizaba una impresionante variedad de técnicas, desde pequeños puntos hasta trazos gruesos y escultóricos.
Los GIRASOLES tenían la intención de impresionar a Gauguin como un gesto de amistad. Y su mensaje es muy claro: al igual que el girasol gira para seguir el curso del
sol, de la misma manera Van Gogh se guiaría por Gauguin. Lamentablemente esta amistad entre Van Gogh y Gaughin terminaría en desastre debido al
choque de sus fuertes personalidades.
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| Detalle del jarrón con 12 girasoles |
En marzo de 1987 un japonés, Yasuo Goto, en una subasta de la galeria Christie´s pagó por "Jarrón con catorce girasoles" unos 5.000 millones de las antiguas pesetas (39,9 millones de dólares) La pintura hoy está en el Sompo Japan Museum of Art de Tokio. Paradójicamente, Vincent sólo vendió en vida un cuadro: "El viñedo rojo" por 400 francos (710 € actuales).
Obra 4ª.- Gernika de Picasso
Autor: Pablo Picasso, 1937
Técnica: Óleo sobre lienzo
Estilo: Cubismo
Tamaño: 776.6 cm × 349 cm
Localización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
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| Gernika de Picaso |
Guernica es un famoso
cuadro de Pablo Picasso pintado entre los meses de mayo y junio de 1937. En un período de seis semanas, antes, durante y después de la ejecución
del cuadro, Picasso realizó un total de 45 esbozos. El título alude al bombardeo de Gernika,
ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española.
Pero, a pesar del título, y de las circunstancias en que fue realizado, no hay en él ninguna referencia concreta al bombardeo de Gernika ni a la Guerra Civil Española, por tanto nos encontramos ante un cuadro simbólico y no narrativo. Constituyen, pues. un alegato
genérico contra la barbarie y el terror de la guerra. Fue realizado por encargo del Director General de Bellas Artes, Josep Renau a petición del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 de París y con el fin de atraer la atención del
público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española. Debido al estallido de la
Segunda Guerra Mundial, el artista decidió que la pintura quedara bajo la
custodia del Museum of Modern Art de Nueva York hasta que finalizara el
conflicto bélico. En 1958 Picasso renovó el préstamo del cuadro al MoMA por
tiempo indefinido, hasta que se restablecieran las libertades democráticas en
España, regresando la obra finalmente a nuestro país en el año 1981. Y desde
1992, está expuesto en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde se encuentra en
exhibición permanente.
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| Detalle lado derecho |
Pero su valor artístico está fuera de discusión. No sólo es considerado una de las obras más importantes del arte del siglo XX, sino que se ha convertido en un auténtico "icono del siglo XX", símbolo de los terribles sufrimientos que la guerra inflige a los seres humanos.
En el cuadro aparecen representados nueve símbolos: seis seres humanos y tres animales (toro, caballo y paloma). Si contemplamos la obra de derecha a izquierda podemos ver una mujer u hombre desesperado/a, gritando de dolor dentro de una casa que se derrumba y arde o implorando al cielo. A su izquierda dos mujeres más, la de la parte superior asoma por una ventana y porta en su mano una lámpara, podríamos llamarla la luz de la verdad , porque con ella ilumina los estragos producidos por la barbarie.
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| Detalle: mujer arrastrándose |
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| Detalle: caballo central |
Técnicamente el Guernica tiene rasgos cubistas (reduce las formas naturales
a formas geométricas, utiliza con frecuencia la representación simultánea de
varios planos de los rostros, como si los viésemos de frente y de perfil a la
vez, vemos las figuras de una forma global sin diferenciar apenas unas de
otras, anula el espacio entre las figuras, huyendo de la plasmación tradicional
de la tridimensionalidad), pero también emplea el expresionismo en los gestos
extremos de los personajes e incluso la definición de las líneas confieren al
cuadro cierto toque neoclásico. Por otra parte l
Sobre el significado de cada uno de los
"símbolos" que Picasso introduce en el cuadro se ha escrito largo y
tendido, no llegando nunca a un acuerdo sobre ellos. Por ejemplo, el toro para
unos representa la brutalidad y la babarie,para otros es un autorretrato del
propio artista y otros han visto en la imagen del toro junto con la mujer con
el niño muerto, la imagen en espejo de Velázquez con Dª Agustina Sarmiento
de "Las Meninas". A mi juicio hay que tener imaginación para esto,
pero...
La madre con el niño muerto, para unos es la
representación de la "Pietá" es decir la Virgen María con el Hijo
muerto, para otros la representación de la República huyendo de Madrid hacia
Valencia, para otros la propia ciudad de Madrid y su hijo el pueblo de Madrid...
En la paloma algunos creer ver además del
símbolo de la paz rota, una alegoría de la Música, una de las Artes destruida
por los militares cuando bombardean Madrid.
El soldado representaría a otra de las Artes
atacadas por la barbarie, la Escultura.
El más enigmático tal vez, sea la bombilla,
para algunos simbólo de las bombas que desde arriba provocan en su estallido
desolación y muerte. O también para otros representa a la Tecnología que
por un lado es una forma de avance social, pero por otro es una forma de
destrucción en las guerras modernas. O incluso que representa al "ojo de
la providencia".
El caballo simbolizaría a todas las víctimas
inocentes.
La casa en llamas se convierte en una
nueva alusión a las Bellas Artes que están siendo destruidas, en este caso la
Arquitectura.
Y el Hombre/mujer implorando de la
derecha, está mirando al cielo como rogando para que los aviones dejasen
de bombardear, nos recuerda al cuadro de Goya (los fusilamientos del 3 de Mayo)
es una forma artística de decir «basta de guerras».
No podemos obviar, como en toda obra de
arte, al autor y su experiencia vital. Picasso en aquellos momentos vive unas
circunstancias especiales, su vida gira en torno a la relación con 3 mujeres a
la vez: su mujer, su antigua amante y su actual amante y Picasso
seguramente no pudo abstraerse a hablarnos de ello, en su obra, de sí mismo y
de sus circunstancias. Por ello algunos opinan que en este cuadro se ha
retratado como Velázquez en un lateral (el toro) y ha colocado a las tres
mujeres con las que tenía relación en este escenario: a Mª T. Walter con
quinqué (fue su fuente de inspiración); a Dora, su amante mientras realizó el
Gernika, la mujer que llora, en actitud implorante y a su esposa, Olga,
bailarina que le está haciendo la vida imposible, quemada entre los restos del
Madrid bombardeado .
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| Picasso con su esposa Olga |
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| Picasso con Dora |
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| Mª Therese |
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