GENERALIDADES (I) EL ARTE Y LA CREACIÓN ARTÍSTICA

EL ARTE Y LA CREACIÓN ARTÍSTICA

- La creación artística es inherente al ser humano, desde la niñez y desde las primeras culturas del Homo sapiens el arte y el hombre son inseparables.

El arte

- La obra de arte es ante todo comunicación, es un código más de los creados por el hombre para transmitir sus ideas y sus sentimientos, por eso la creación artística es un lenguaje, el lenguaje artístico, que el espectador debe conocer y saber interpretar.

- El autor, independientemente de la época y del modo de expresión, es ante todo creador, unas veces respondiendo a criterios o normas de su civilización y otras expresando sus ideas y sentimientos con mayor libertad. Mediante el arte el artista imita o expresa tanto lo material como lo inmaterial, reproduce imágenes de la realidad física o humana, pero en ocasiones también simplemente sentimientos, sueños o esperanzas; tradicionalmente mediante la imitación de la realidad, pero hoy es evidente que la fotografía y el cine cumplen con mayor exactitud esta posibilidad, por lo que ha tenido que buscar otras salidas, convirtiéndose en un arte-creación que lo abarca todo, desde el realismo hasta la abstracción.

Doríforode Policleto

 Es la obra más famosa de Policleto; en ella el artista griego concretó el canon de belleza, de 7 cabezas, considerada como el modelo de proporciones del cuerpo humano y la plasmación práctica del sistema de proporciones. La cabeza tiene la medida justa (una séptima parte de la altura total), el vientre y el pecho están muy marcados y presenta una cierta rigidez y algo de exageración antinaturalista en los pectorales e ingles La belleza del Doríforo reside primordialmente en su proporción y medida. Representa a una figura desnuda masculina joven en actitud de marcha, con una lanza sobre el hombro izquierdo, la cabeza ligeramente ladeada hacia la derecha y con una leve sonrisa en el rostro, acompañada de una mirada perdida y distante. Fue realizado para ser visto de frente.

El grito de Munch

El cuadro muestra una figura en primer plano, ésta simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial (está gritando). Esta persona se encuentra en un camino con vallas que se pierden de vista. En el fondo, casi fuera de escena, se aprecian dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir  y que parecen ajenas a la desesperación de nuestro personaje. El grito está considerado como una de las más importantes obras  del movimiento expresionista.

La rendición de Breda (Las lanzas) de Velázquez

Este cuadro de la batalla de Breda estaba destinado a decorar el gran Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro,  con el fin de exaltar a la monarquía española y a Felipe IV. La escena es una invención, pues el acto de entrega de llaves no existió realmente.

Se trata de una obra de total madurez técnica, donde encontró una nueva forma de captar la luz. La composición se articula en profundidad mediante una perspectiva aérea. Hay rostros fuertemente iluminados y otros están tratados en diferentes niveles de sombras.  A la derecha, el caballo de Espínola se mueve impaciente. Los soldados, unos atienden y otros parecen distraídos. Son estos pequeños movimientos y gestos los que quitan rigidez a la rendición y le dan una apariencia de naturalidad y realismo.

Mujer con mandolina de Pablo Picasso

Pablo Picasso en su etapa de Cubismo Analítico, busca la disgregación geométrica de las formas y su fusión con el espacio. En ella aparecen figuras compuestas por cuadrados, trapecios o triángulos, y planos con volumen, conseguidos debido a las diferentes intensidades de luz; En unos cuadros de colores ausentes, donde predomina el blanco, negro o los tonos de ceniza. Realmente se trata de un retrato de Fanny Tellier.

 Para los cubistas, la esencia del objeto es su forma, independientemente de cómo sea la luz o el color, elementos que son accesorios a la hora de definir ese objeto. Por ello concluyen en que las formas de la naturaleza pueden circunscribirse a las formas esenciales de la geometría y así, geometrizan las formas naturales. Ademas piensan que lo que define al objeto en sí, no puede ser definido por un único punto de vista, por lo que plasman en un único plano de representación diversidad de puntos de vista del mismo objeto, intentando captar así la cuarta dimensión, el tiempo.

Composición con rojo, amarillo y azul de Mondrian

 Para este artista, Mondrian, era mas importante mostrar el mundo de una manera mas simple de lo que es la verdadera vida. En realidad no representa nada en particular. Para el espectador es una especie de juego donde se observan las diferentes piezas y colores. El resto queda a la imaginación del observador para crear lo que quiera.

En esta composición vemos como Mondrian evita crear la ilusión de profundidad, por eso omite cualquier linea curva o diagonal, porque representa la perspectiva. Un cuadro muy bien equilibrado. Los colores usados y sus formas, la forma en que fueron dispuestos en el lienzo, todo  responde a un perfecto orden mental.

Estos colores son básicos osea que combinándolos se puede crear cualquier otro color en el arcoiris: verde, morado, naranja, y todas las otras sombras en medio. Crear estos tres colores básicos es imposible porque son colores individuales, por eso se llaman colores primarios. En esta obra los cuadrados que contienen estos colores están llenos de energía. El rojo evoca fuego o sangre o un atardecer.

Como ya conocemos sin el blanco y el negro es imposible aclarar u oscurecer los colores. Al observar las lineas negras logramos una organización del dibujo ya que limitamos espacios haciéndolos mas pequeños, mas grandes, mas altos, anchos o angostos. Al mismo tiempo que controlan que la estructura de la pintura no se desborde. Los espacios blancos dan la impresión de vacío, luz y aire.

Su estilo ha sido aplicado en la decoración interior, en muebles, en diseños, en arte gráfico, en revistas, en propagandas y en la moda.

Por otra parte, debemos mencionar que la creación artística no necesariamente lleva implícita la idea de belleza, orden, armonía o cualquier otro concepto relacionado con el deseo de expresar perfección o equilibrio ya que a veces se expresa con formas feas, caóticas y hasta grotescas.

Este cuadro de Goya tiene  una fuerza visual tremenda. Al mirarlo parece un espejo cuyo reflejo devuelve la fealdad de la vejez. En el cuadro aparecen dos ancianos personajes, sin estar claro si son hombres o mujeres. El de la izquierda, con pañuelo blanco, dibuja una mueca con su boca, posiblemente por la falta de dientes. El otro personaje contrasta vivamente con él: de rostro cadavérico, sus ojos son dos oquedades negras y su cabeza tiene en general el aspecto de una calavera.

Dos viejos comiendo sopa

Las pinceladas están aplicadas de modo muy libre, decidido y rápido. Son brochazos llenos con mucha pasta de pintura los que definen los dedos artríticos o la cuchara. También se puede apreciar en varias partes del cuadro un amplio uso de la técnica de la aplicación de pigmento con espátula. En cuanto a la gama cromática se reduce a ocres, tierras, grises y negros. 

 La visión angustiosa de la vejez como suprema maldición, se expresa aquí con una dureza cruel de la más honda vena expresionista. La gula, en las bocas desdentadas de estos monstruosos viejos, adquiere una expresión casi diabólica.  

Obras como ésta han  permitido calificar a Goya de precursor del expresionismo. 

Por último aclarar que la actividad artística requiere  y exige una cierta destreza artística y manual, un conocimiento de las posibilidades y  características del material sobre el que se trabaja y unos conocimientos  técnicos sobre esos materiales concretos y sobre sus posibilidades de trabajo; todos estos conocimientos influyen inevitablemente en la obra final. 

Además la historia del arte no es acumulativa, un estilo no supone un progreso respecto al del momento  anterior, ni el arte de un siglo implica superioridad  sobre el de los precedentes; pero, sí lo es en el  sentido técnico, en cuanto que los medios de trabajo, los materiales, sus posibilidades, etc. se van descubriendo y perfeccionando sucesivamente. Por lo tanto siempre podremos hablar de un progreso técnico nunca artístico.